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Las cinco paradojas de la modernidad
Antoine Compagnonartes
Desde comienzos del siglo XIX, Hegel juzgaba que la gloria del arte se encontraba atrás, en el pasado, y anunciaba nada menos que el final del arte. ¿Estamos asistiendo ahora a ese final, diferido desde hace casi doscientos años? ¿No se trata más bien de la quiebra de las doctrinas que querían “explicar” el arte, es decir asignarle un “objetivo”, y pensar su historia en términos de “progreso”? Ésas son las preguntas que se encuentran en el centro de Las cinco paradojas de la modernidad. Y si son precisamente cinco es porque, a partir de Baudelaire, la historia del arte ha conocido cinco crisis importantes que corresponden a igual número de contradicciones no resueltas.
Los lectores que desconocen los rudimentos de la historia reciente de las bellas artes encontrarán aquí una guía sólida. Los otros encontrarán una perspectiva original (baudelaireana) susceptible de aclarar los sobresaltos actuales de la “posmodernidad”.
Textos dispares
Teresa del Condeartes
Lo que los lectores tienen en sus manos es una antología recabada, en parte, a partir de ensayos míos, algunos de ellos escritos hace bastante tiempo. En el momento de su publicación, la mayoría respondía a un contexto particular, como una exposición de la Escuela Mexicana en Japón, el simposio que celebró a Diego Rivera a los cien años de su nacimiento, o las reflexiones psicológicas sobre el surrealismo y lo surrealistoide en México. Seleccionados, releídos y transcritos a partir de 2009, fueron objeto de modificaciones que obedecen a la intención de pergeñar un continuo, sin desdecir su condición de escritos particularizados. En la medida de lo posible, todos están puestos al día en cuanto al manejo de datos y, al igual, todos guardan un esquema narrativo que ha querido ser apto para ser leído por cualquier lector interesado en estos temas.
Por un lado, creo que ha valido la pena recuperar varios de esos escritos y modificarlos al transcribirlos; por otra parte, mis aficiones o predilecciones mayormente frecuentes se corresponden con una forma de Artwriting que tiene que ver más con la crítica y con la psicología que con las historias del arte y lo que aquí propongo es precisamente un discreto conjunto de historias del arte.
La antología concierne fundamentalmente a México. No obstante, salvo pocas excepciones, los ensayos tocan asimismo cuestiones que corresponden a los desenvolvimientos artísticos en otras latitudes. Algunas veces se trata de influencias —que siempre las hay—, en otras de convergencias y en unas más de asociaciones.
Teresa del Conde.
Remedios Varo
José Antonio Gilartes
La genialidad de un artista no se forja en un instante o en un chispazo de inspiración. Cada obra se alimenta de la historia de la humanidad. El legado de Remedios Varo es una suerte de ars combinatoria en donde confluyen el esoterismo y el exoterismo, las tradiciones de Oriente y Occidente, la física con la metafísica y el arte con la ciencia.
En esta exhaustiva investigación, prolijamente ilustrada, se reúnen por primera vez pinturas, escritos y libros de la biblioteca de esta creadora universal. Se reescribe su vida y cosmovisión.
Estas páginas abordan los grandes procesos de transformación humana -la guerra, el exilio, la búsqueda espiritual- y aluden a una de las vanguardias más polémicas y estudiadas de la historia del arte: el surrealismo.
Por aquí desfilan personajes como el legendario Orfeo, los místicos Ramón Llull, Hildegard von Bingen y Santa Teresa de Ávila, el médico Paracelso y los alquimistas Giambattista della Porta y Julien Champagne.
Quedan al descubierto las tiradas del tarot, los sigilos rúnicos de los antiguos grimorios y la atmósfera mágica y operacional que realizaban Remedios Varo y Leonora Carrington en su hermético cónclave femenino.
El sentido del cine
Sergei Eisensteinartes
El sentido del cine con La forma cinematográfica, por el renombrado director soviético, son considerados como declaraciones clásicas de la estética de la realización cinematográfica. El sentido del cine recuenta la experiencia de Eisenstein en la creación de La huelga, El acorazado Potiomkin, Diez días que conmovieron al mundo, Lo viejo y lo nuevo y Alexander Nevski con el fin de demostrar que el cine es el medio más expresivo y profundo que atrae a todos los sentidos, al igual que a las emociones y al intelecto. El examen termina con el análisis fascinante de las correspondencias audiovisuales de una secuencia de Alexander Nevski. El libro incluye también una lista completa del trabajo de Eisenstein previa a la filmación o en filmación, un ensayo teórico temprano, secuencias de sus guiones para Una tragedia americana, ¡Qué viva México!, El oro de Sutter y El canal de Ferghana, una bibliografía de sus escritos y los diagramas y fotografías de la edición original.
Sergei Eisenstein nació en Riga en 1898. En 1925 conquistó la fama con su película muda El acorazado Potiomkin. Creador a los 26 años de La huelga –una de los expresiones cinematográficas más importantes de la historia del cine–, fue soldado voluntario del Ejército Rojo en 1917, entusiasta forjador del Proletkult en 1920, colaborador y crítico de Meyerhold, profesor y teórico del Instituto de Cine de Moscú. Aunque sólo pudo realizar seis películas completas antes de su muerte, en 1948, está considerado como uno de los más influyentes cineastas y teóricos del cine de nuestro tiempo.
Palas y las musas: diálogos entre la ciencia y el arte Vol. 1
María Olga Sáenz Gonzálezartes
El Renacimiento representa uno de los puntos culminantes de la civilización occidental. La noción misma de “civilización europea” empieza a tener sentido sólo a partir de esa época. Se trata de un periodo de apertura conceptual y una etapa muy productiva en la historia del pensamiento humano. En este volumen se presentan líneas de investigación paradigmáticas, como es el caso de la alquimia, cuyas referencias simbólicas se construyen desde la Edad Media, la concepción del cosmos como espacio mítico cuya importancia toral para la ciencia fue recorriendo diversas corrientes del pensamiento, tanto filosóficas como científicas, el análisis de la perspectiva y la divina proporción, la concepción arquitectónica renacentista, los estudios de la robótica de Leonardo da Vinci, y las reflexiones en la óptica y la acústica aplicadas al arte, entre otros temas.
Historia del arte y lucha de clases
Nicos Hadjinicolaouartes
Podemos comprobar que la historia del arte está hoy, salvo algunas raras excepciones, dominada por un pensamiento apolítico, incluso a veces, reaccionario. El propósito de esta obra es definir nuevamente el objeto de la ciencia de la historia del arte. En la primera parte son refutados los conceptos dominantes sobre cuál es este objeto y, a fin de definirlo, Nicos Hadjinicolaou introduce algunas ideas que no encontramos en la historia académica del arte. La historia del arte con pretensión marxista sufre ya sea de un "liberalismo" señalado por la negación del carácter de clase de las "creaciones culturales", ya sea de un dogmatismo que reduce toda imagen a los intereses económicos o políticos de una clase social. EI autor propone una nueva definición de estilo (rompiendo con el psicologismo que domina los escritos sobre el arte) y llega en sus análisis concretos de algunas pinturas clásicas (Rembrandt, David), a darnos explicaciones nuevas. Nacido en Salónica en 1938, Nicos Hadjinlcolaou estudió historia del arte en Berlín, Fribourg y Munich. Desde 1965 en París, ha proseguido sus estudios junto a Pierre Francastel, Lucien Goldmann y Pierre Vilar, en la Escuela Práctica de Altos Estudios.
Música y sociedad
Elie Siegmeisterartes
Es importante señalar que Música y sociedad fue escrito en esa encrucijada de caminos, en esa época de definiciones políticas a ultranza, de -como dice el propio Siegmeister- "decadencia de las viejas 'formas ampulosas' y desaparición de nuestros grandes maestros burgueses, sin nadie a la vista para remplazarlos". ¿Hemos llegado al fin? ¿Qué nuevo camino se avizora para la música? Estamos en 1938, en las puertas de la segunda guerra mundial y con la guerra civil española prácticamente definida en favor de las fuerzas fascistas. Siguiendo su propio desarrollo, compartido por muchos de los grandes maestros que habrán de ser, Elie Siegmeister busca en las raíces de su pueblo esa nueva música que habrá de marcar la tónica del siglo XX. Así el jazz, los spirituals, los cantos de trabajo, tanto de las fábricas como del campo, lo impulsan hacia un camino determinado: aquel que habrá de conducir a la música social. Siegmeister está acompañado en ese esfuerzo por músicos tan dispares como Davidenko, Eisler, Shostakovich, Blitzstein, Copland, Riegger, Revueltas, Prokofiev... Aquí empieza el desarrollo de un arte musical colectivo del pueblo, "como una fuerza civilizadora, entre todos los pueblos de la Tierra".
Tríptico cinematográfico
Juan Pellicerartes
A partir del papel fundamental que desempeña el montaje en la creación del discurso narrativo cinematográfico, Juan Pellicer lleva a cabo una lectura conjunta de tres películas de Alejandro González Iñárritu -Amores perros, 21 gramos y Babel- que han sido vistas como un tríptico o una trilogía.
A la luz de los planteamientos teórico/prácticos de, entre otros, Kuleshov, Eisenstein, Mitry, Metz, Revueltas y Chatman, Pellicer observa los principales rasgos del discurso narrativo en el cine y cómo el montaje de las tres películas de González Iñárritu está organizado “polifónicamente” mediante una sintaxis que implica una dialéctica de choques, contrastes, antítesis, analepsis, prolepsis, contrapuntos y claroscuros; cómo proyecta, de una manera orgánica, nuevos sentidos; cómo está estructurado “verticalmente” a la usanza de una partitura musical; y cómo se logra así la economía poética. Esto permite examinar, con mayor claridad, el drama de la estructura del discurso cinematográfico y su ironía.
Asimismo, Pellicer advierte ciertos vínculos con tradiciones artísticas mexicanas -los retablos coloniales y el muralismo- que sugiere el peculiar discurso de estas cintas.
Finalmente, se transcribe un diálogo con González Iñárritu que revela su aprendizaje del oficio, sus métodos de trabajo, sus preferencias fílmicas y la pasión de su vocación artística.
Encuentros con Diego Rivera
Guadalupe Rivera Marínartes
El Diego real se enfrenta al Diego ficticio. El Diego inventado mira en el espejo al Diego que lo mira. ¿Cuál es, en verdad, el Diego real? ¿El Diego creado por el enorme poder verbal, de fabulación infinita, del Diego demiurgo de si mismo? ¿El Diego retratado una vez y otra vez por el lápiz o el pincel de este otro Diego, implacable, que observa el rostro de un sapo amable y voluptuoso? Porque Diego era voraz y voluptuoso, violento y tierno a la vez.
Un hombre es demasiados hombres . En la medida en que somos lengua e historia, no podemos dejar de ser lo que otros hombres han hecho de nosotros. Aquí está, para entender la vida de Diego, la vida de otros hombres y mujeres que lo acompañaron en su vida.
Este libro está hecho a base de dos líneas paralelas que se cruzan sin esfuerzo. De un lado, los materiales iconográficos, abundantes, necesarios, imprescindibles. De otro, los textos que se imbrican en ellos. Se trata de una biografía plástica. Habla Diego, pero también se habla de Diego. Está aquí su pintura, pero también la pintura de la que proviene su pintura. Está Diego mismo, sin duda, pero Diego es inexplicable sin sus mujeres y sus hijas, sin sus amigos y sus enemigos, sin sus ideas y sus tropiezos.
Escritos sobre música popular
Béla Bartókartes
En estrecha y fecunda simbiosis con su obra de compositor de primera línea, Béla Bartók, desde 1905 y casi hasta su muerte, llevó adelante una descomunal labor de recolección, transcripción, análisis y publicación de millares de melodías campesinas húngaras, rumanas, eslovacas, yugoslavas, ucranianas, árabes, turcas, en busca de su auténtica identidad étnica, al margen tanto del angosto particularismo nacional como del primitivismo estetizante.
Fruto de aquellos esfuerzos fueron asimismo múltiples artículos, representados en este volumen por una nutrida selección, que constituyen un punto de referencia obligado, en lo teórico y en lo metódico, para el estudio del folklore musical. Las indagaciones de Bartók ya han resultado útiles en las comarcas en las que el arte popular ha sido siempre la base de todos los desenvolvimientos culturales, pero también en los países de prolongada tradición musical culta, donde, en determinadas coyunturas históricas, el folklore se torna un factor en la constitución de la cultura nacional.
El mérito y la modernidad de la labor etnomusicológica de Bartók residen en su establecimiento racional de la estructura real y objetiva del material popular y, a partir de ahí, el examen de las influencias históricas y personales que influyen en su plasmación.
Poética de la pedagogía teatral
María Knebelartes
María Osipovna Knébel nos habla, aquí, de su experiencia educativa con los estudiantes para directores de teatro, planteando las dificultades del enseñante y la enorme responsabilidad que soporta en la elección de los aspirantes, los procedimientos empleados para la enseñanza, sus experimentos y meditaciones. Knébel, alumna de K.S. Stanislavski y de V.l. Nemirovich-Danchenko, presta enorme atención a la necesidad de unificar los hallazgos de estos dos genios del teatro soviético. El trabajo se desarrolla como un extenso relato de sus métodos de enseñanza y las experiencias que éstos le han hecho experimentar. Varias anécdotas alejan a la obra de la tentación de presentar un "manual". La autora muestra la atención que se debe dar a las artes, principalmente a la pintura, la cual, utilizada en la forma en que ella lo indica, resulta de enorme utilidad para despertar la creatividad de los estudiantes. La señora Knébel ve en la poética de la pedagogía un complicado entrelazamiento de sufrimientos y alegrías, fracasos y triunfos, búsquedas y descubrimientos, y nos dice: "A pesar de todas las dificultades de la profesión de maestro, a veces disfrutamos minutos incomparables de felicidad."
El Palacio de Bellas Artes
José Gorostizaartes
Después de una treintena de años, al finalizar en 1934 la construcción del Palacio de Bellas Artes, le fue encomendada a José Gorostiza la redacción del informe, que presentaron Alberto J. Pani y Federico E. Mariscal al secretario de Hacienda y Crédito Público, ingeniero Marte R. Gómez, sobre las obras llevadas a cabo desde sus comienzos en la época porfirista hasta su inauguración ya en épocas posrevolucionarias.
El informe incluye información histórica y presupuestal sobre el recinto y sus dependencias, y sobre todo aquello que iba a funcionar en un edificio que se ha convertido a final de cuentas en icono de la cultura nacional.
Obras maestras del México antiguo
Paul Westheimartes
"En la Forma se expresa el espíritu del hombre creador y de su circunstancia", dice el gran historiador y crítico de arte Paul Westheim en el prefacio de este libro póstumo. En él se ocupa de una serie de obras de las culturas del México prehispánico, dedicando a cada una de ellas un capítulo: junto a algunas muy conocidas, como el Chac Mool, fija su atención en creaciones que nunca antes han sido interpretadas. Para él cada una tiene su personalidad, su rostro particular, que explora, que hace hablar. Con sentido crítico y sensibilidad descifra su misterio, sin violarlo.
El método que Westheim usa para sus indagaciones no es el mismo en todos los ensayos. En algunos prevalece el análisis estético, en otros el interés mitológico o arqueológico -con lo que la lectura del libro se hace amena y atractiva aun para el profano en materia de arte prehispánico, y no se limita solamente al estudio de la pieza que es en cada caso su punto de partida: su vasta cultura le permite establecer libremente asociaciones, descubrir afinidades con respecto a manifestaciones artísticas de la misma civilización o de otra. A pesar de la pluralidad de enfoques y de conceptos que se manejan en la presente obra, la interpretación siempre está regida por una visión unitaria, esa amplia visión con la que Westheim se acerca a su gran tema: el arte antiguo de México.
De Paul Westheim Siglo XXI ha publicado pensamiento artístico y creación, ayer y hoy, 1997.
Los mayas del modernismo
Jesse Lernerartes
¿Qué lugar, si es que hay alguno, ocupan los mayas en el mundo moderno? ¿Qué nos dicen las asombrosas ruinas esparcidas por el sureste de México, por Belice, Guatemala y Honduras acerca de los mayas actuales y de su potencial para que ingresen en la modernidad? ¿Cómo puede amoldárseles en la más atesorada y con tanta frecuencia repetida narrativa occidental del “progreso” hacia la modernidad? ¿Podrán sus logros estéticos y arquitectónicos del pasado construir las bases de un modernismo americano único (panamericano, mexicano, latinoamericano o simplemente “americano”, con todas sus ambigüedades adjetivales)? ¿Cómo será posible —o, más bien, es posible— ser a la vez maya y moderno?
En tanto que para México, el pasado maya sigue siendo central para la identidad nacional. Roger Bartra nos dice: “El mito del edén subvertido es una fuente inagotable en la que abreva la cultura mexicana. La definición actual de la nacionalidad le debe su estructura íntima a este mito”. Como destaca Bartra, estamos en el terreno de la mitología y de los imaginarios motivados ideológicamente, no de tratamientos descriptivos de la realidad. Ninguna de las imágenes discordes de los mayas que surgen deben tomarse erróneamente como registros arqueológicos o etnográficos, los cuales por lo común ignoran o contradicen. Sin embargo, nos llevan a los fundamentos de una serie de cuestiones centrales para la modernidad mexicana y sus deficiencias.
La forma del cine
Sergei Eisensteinartes
La forma del cine con El sentido del cine, por el renombrado director soviético, son consideradas como declaraciones clásicas de la estética de la realización cinematográfica. La forma del cine reúne doce ensayos escritos entre 1928 y 1945 que muestran puntos clave del desarrollo de la teoría fílmica de Eisenstein y en particular su análisis del media del cine sonoro. Entre los ensayos se incluyen algunas reflexiones sobre el teatro Kabuki, "Métodos de montaje", "Una aproximación dialéctica a la forma del cine", "La cuarta dimensión fílmica", "El lenguaje del cine" y "Dickens Griffith y el cine hoy". También se incluye una declaración sobre cine sonora de Eisenstein, Pudovkin y Alexandrov; "Notas del laboratorio de un director”, escrito durante la filmación de Iván el Terrible, y todos los diagramas y fotografías de la edición original. Sergei Eisenstein nació en Riga en 1898. En 1925 conquistó la fama con su película muda El acorazado Potemkin. Creador a los 26 años de La huelga -una de las expresiones cinematográficas más importantes de la historia del cine-, fue soldado voluntario del Ejercito Rojo en 1917, entusiasta forjador del Proletkult en 1920, colaborador y crítico de Meyerhold, profesor y teórico del Instituto de Cine de Moscú. Aunque sólo pudo realizar seis películas completas antes de su muerte, en 1948 esta considerado como uno de los más influyentes cineastas y teóricos del cine de nuestro tiempo.
Trampantojos
Magnolia Riveraartes
Escribo este libro por dos razones principales. Una, para dar respuesta a las voces que demandan un estudio iconológico profundo de la obra de la artista del siglo XX Remedios Varo. Otra, porque espero aclarar algunas suposiciones apresuradas -interpretaciones inexactas- que algunos críticos e historiadores del arte han hecho en torno a la producción plástica de Remedios Varo. Para ello, recurro al análisis del símbolo, el número y la composición, factores que en las obras de esta pintora se encuentran íntimamente entrelazados y no de manera casual o intuitiva. En torno a la figura de esta artista española se han escrito diversos ensayos y algunos libros a los que hago referencia en este estudio. Lo ya presentado por otros investigadores del tema es en ocasiones un punto de partida o una oportunidad para la controversia y la aclaración de conceptos. A través del estudio de tópicos como la simbólica medieval y la geometría sacra ha sido posible comprender la rotunda coherencia que posee toda la producción artística -plástica y literaria- de Remedios Varo. Con maestría vela y desvela acertijos a través del trampantojo ("trampa al ojo"), jugando con formas que ocultan a otras y que encierran simbolismos ancestrales. La obra de Remedios Varo es el trampantojo del círculo porque de esta figura parte y en ella concluye. El círculo como eterno retomo y como sentido pleno de la existencia. Todo está encerrado en esta figura, visible e invisible, simbólica y literal, geométrica y conceptual. Tengo la certeza de que quien lea este libro sentirá la inquietud de seguir buscando caminos aún más profundos hacia el conocimiento de una obra plástica que expresa, ante todo, al universo.
La creatividad redistribuida
Juan Villoroartes
La creatividad distribuida explora las rutas que el arte y la gestión cultural asumen en el horizonte de las transformaciones tecnológicas recientes.
Por iniciativa del antropólogo Néstor García Canclini y del escritor Juan Villoro, un grupo interdisciplinario explora la nueva circulación de significados artísticos y la conformación de públicos en la América Latina de hoy. El análisis colectivo aborda, entre otros temas, la piratería y el consumo informal de la cultura; las posibilidades artísticas de Internet, el sampleo y el photoshop; el papel del curador en museos sin colecciones o espacios ajenos al museo; el coleccionismo como arbitraje estético y pedagogía del gusto; la edición electrónica; la alianza escénica entre la palabra y la música, y la economía generada por los medios digitales independientes.
Carlos Monsiváis, imprescindible cronista de nuestro tiempo, ofrece aquí una de sus últimas colaboraciones, sobre un tema que definió su vida: la preservación de lo fugitivo.
Una historia social de la música
Henry Raynorartes
La música es para Henry Raynor un arte social que siempre ha estado en una relación en continuo desarrollo entre los individuos u organizaciones que la ejecutan y el público que la escucha. El estudio de este desarrollo presenta una dimensión de la historia musical que ha sido un tanto descuidada por aquellos musicólogos cuya preocupación histórica es la evolución de los estilos musicales. Sin embargo, arroja luz sobre algunos puntos oscuros de la historia de los estilos artísticos y proporciona el marco y la justificación de muchas de las evoluciones que los historiadores del estilo tienden a aceptar incondicionalmente como hechos que no necesitan explicación. Partiendo de la formación de las organizaciones musicales en la Iglesia medieval, Henry Raynor narra la historia de éstas y la aparición de la música y las óperas cortesanas, periodo en que el compositor o músico profesional era invariablemente el servidor a sueldo de la Iglesia, la nobleza o el municipio. Raynor describe las funciones cambiantes que se esperaban de él y las influencias de éstas en la vida y obra del compositor. También considera la evolución de los gustos del público y el cambio en las reglas de ejecución, así como la importancia de la invención de la imprenta y el desarrollo de una música hecha por aficionados en la difusión de la obra del compositor. Sin embargo, con Haendel llegamos al primer compositor cuyas actividades independientes fueron tan importantes, en el terreno económico, como sus cargos oficiales; y, como se demuestra en los capítulos sobre el auge de los conciertos públicos y el desarrollo de la edición musical, Haydn estaba vivamente interesado en la publicación de sus obras, y Mozart y Beethoven dependían sobre todo de sus actividades como músicos independientes. Una historia social de la música es más un libro de interés general, desde el punto de vista musical e histórico, que una obra de musicología, y como tal puede ser recomendado a cualquier amante de la música.
Henry Raynor nació y estudió en Manchester. Fue columnista de la sección de arte de The Times, donde escribió sobre música, teatro y televisión. También ha colaborado en The Guardian y en diversas publicaciones musicales, como The Musical Times y Music Review.
Zonas de disturbio
Mariana Boteyartes
En este libro la autora cuestiona las representaciones de lo indígena en la historia y el arte mexicano. Su análisis se enfoca particularmente en las formas narrativas, mesiánicas y proféticas, de pasados y futuros imaginarios. Botey analiza el modo en que los europeos imaginaron e interpretaron las culturas nativas. Conceptos y metáforas como la Revolución indígena de Altaud, la economía general de Bataille, el comunismo primitivo de Bandelier y la República india de Rousseau, son deconstruidos y contextualizados desde la genealogía y el archivo mexicano,
a partir de la teoría crítica poscolonial.
Estética y psicología del cine Vol. 1
Jean Mitryartes
¿Es el cine un arte? Alguien, a principios de siglo, lo bautizó como “séptimo arte”, y algunos esfuerzos se orientaron a la búsqueda de una estética del cine. Emparentado con las artes que lo precedieron en cuanto que se expresa a la vez en el tiempo y en el espacio, a la hora de formular su estética se impone la necesidad de indagar cuál es su grado de parentesco con las otras artes y en qué difiere de ellas.
En el primer volumen se aborda el estudio sistemático de las estructuras cinematográficas, se analiza la imagen fílmica, el ritmo y el montaje.
El segundo volumen está consagrado al estudio de las formas cinematográficas, y en él se prosigue el estudio del ritmo, ejemplificando con las formas más flexibles y ágiles del cine contemporáneo. El tiempo, el espacio y lo real percibido reciben un amplio tratamiento, a la luz de la fenomenología, de las percepciones y de las condiciones sociales y psicológicas del “realismo” en arte.
Arte primitivo en tierra civilizada
Sally Priceartes
¿Qué tiene de "primitivo" el "arte primitivo"? ¿ Y qué criterios tenemos que usar para juzgarlo? A partir de una intrigante combinación de fuentes –que incluyen anuncios de moda y películas, sus propias investigaciones antropológicas y hasta tiras cómicas como Doonesbury– Price explora la arrogancia cultural implícita en la apropiación que hace Occidente del arte no occidental.
"Price devela una fascinante historia de las muchas expediciones que en busca de cultura exótica se hacen en el siglo XX". Michael W. Perri, Utne Reader.
"Una denuncia amena pero erudita de todo el negocio del arte primitivo... Un tratado sucinto y claro". Peter Plagens, Newsweek.
"Price resulta esclarecedora de muchas maneras... Podemos leer su libro –a ratos entretenido, a ratos acerbo– para ver cómo nos revela las suposiciones que muchas veces ni siquiera sabemos que hacemos. Lo que nos enseña tiene tanta aplicación a la política como a la historia del arte". Marina Vaizey, London Sunday Times.
"Price es particularmente aguda en su relación de la idea de una hermandad global". Nicholas Penny, London Review of Books.
"El libro es enfurecedor, entretenido y nos sirve de inspiración; nos hace sentir menos capaces que antes de emitir juicios sobre géneros "conocidos" del arte, pero por eso mismo nos hace sentir más confianza". Joel Smith, San Francisco Review of Books.
Sally Price ha enseñado antropología e historia del arte en Johns Hopkins, Minnesota, y en Stanford, y vive ahora en la Martinica.
Performance: Un arte del yo
Josefina Alcázarartes
Este libro presenta una sugerente y provocadora disección crítica del arte del performance. Josefina Alcázar rastrea los orígenes del performance y explora sus afinidades con la autobiografía y el autorretrato. A fines de la década de los sesenta y principios de los setenta del siglo XX, los artistas empezaron a usar su propio cuerpo no sólo como tema sino también como materia prima y objeto artístico. En la búsqueda de sí mismos, los artistas realizaron exploraciones vitales y psíquicas, trayectos interiores hacia la construcción de un autorretrato viviente. Partiendo de su cuerpo, empezaron a reflexionar sobre la identidad del yo. Algunos optaron por hacer públicas sus preocupaciones privadas, otros usaron su cuerpo como plaza pública para que en él se expresara una identidad colectiva; muchas performanceras hicieron de su cuerpo un espacio de resistencia para luchar contra los estereotipos de género, y vieron en su cuerpo un yo en permanente construcción, un yo múltiple y mutable.
La autora analiza con agudeza el aparente narcisismo de la época actual y señala que es una expresión de la preocupación por el cuerpo, que había sido considerado únicamente como un receptáculo del alma. Artistas del performance recurren a la autobiografía en vivo como medio para develar su intimidad, expresar sus angustias y sus miedos o para analizar el contexto social en que viven. El performance se inscribe en el espacio autobiográfico que ha llevado a un fortalecimiento de la reflexividad, a la búsqueda de la experiencia vivida y a la obsesión por lo real.
Este libro es fruto de una investigación acuciosa y de una reflexión creativa sobre temas tan inquietantes como la identidad, el cuerpo y el yo, tal como se expresan en las formas más innovadoras, transgresoras e irreverentes del arte contemporáneo.
Teatro para caníbales
Peter Beardsellartes
Rodolfo Usigli (1905-1979) “fundó el teatro dramático mexicano contemporáneo” (Yolanda Argudín) y fue el que “popularizó un teatro orientado hacia los asuntos mexicanos” (Luisa Josefina Hernández). Usigli mismo inventó la metáfora del canibalismo para transmitir una idea de su logro. Había dedicado su vida, afirmaba, a crear “un teatro para caníbales en el que el mexicano se devore a sí mismo por la risa, por la pasión o por la angustia, pero que siempre, como la familia, cene en casa”. En estas palabras vemos la ambivalencia de su opinión de los mexicanos: su burla patriótica de estereotipos coloniales, el ridículo sardónico de la propia imagen de su país a principios del siglo XX y (sobre todo) el profundo nacionalismo de su plan de que la fiesta debería ser una ocasión familiar. En una de sus obras, La familia cena en casa, muestra cómo la familia mexicana se fortalece ante las presiones internas y externas, convirtiéndose la cena en una confirmación ritual de su misma existencia. Usigli opinaba que su público estaría fortaleciendo los lazos entre sí si fuera capaz de devorar imágenes de sí mismo. Teatro para caníbales: Rodolfo Usigli y el teatro mexicano explora las maneras en que se propuso hacer esto posible.
Peter Beardsell es catedrático titular del Departamento de Estudios Hispánicos en la Universidad de Sheffield, Inglaterra. Ha publicado libros sobre Ricardo Güiraldes, Jorge Carrera Andrade, Horacio Quiroga y últimamente un estudio poscolonial sobre el tema de Europa y Latinoamérica (Europe and Latin America: returning the gaze).
El arte escénico
Konstantin Stanislavskiartes
Konstantin Stanislavski, nacido en Moscú en 1863, empezó siendo director de una compañía de aficionados en 1877; el punto culminante de su carrera fue la fundación del Teatro de Arte de Moscú, en 1898, junto con Nemirovich-Danchenko. De 1877 a 1898 el cambio de sus ideas respecto del arte de actuar fue radical, la evolución de estas ideas se debió a la constante observación de sí mismo, de sus sentimientos, reacciones y actitudes dentro y fuera del escenario, así como a la observación de los demás. Stanislavski nunca pretendió que sus enseñanzas se "codificaran" en sistema; antes al contrario, negó que pudiese existir sistema alguno fuera de la naturaleza orgánica creadora del actor. David Magarshack ha escrito una introducción en donde da un análisis crítico y una minuciosa exposición de las ideas de Stanislavski. En el prefacio hace algunas interesantes consideraciones sobre la conocida escuela de actuación "El Método" y sus relaciones con el sedicente "sistema Stanislavski" los textos de Stanislavski y el penetrante ensayo de Magarshack sobre el "sistema" forman un clásico, uno de los textos maestros para los teatros experimentales de América Latina.